Musik zu Hause: Soul-Protest-Klassiker der Siebziger (2024)

Im MorgengrauenIn den Siebzigerjahren galt das Protestlied ebenso als Relikt des vorangegangenen Jahrzehnts wie das Wort „groovy“, mit bemerkenswerten Ausnahmen wie „War“ von Edwin Starr, „Ohio“ von Neil Young und „George Jackson“ von Bob Dylan. Wie Arlo Guthrie erzählteRollender SteinIn diesem Sommer „ging das Musikgeschäft von der Überlegung, wie man mit dem Verkauf von Protestsongs etwas Geld verdienen könnte, zu der Erkenntnis über: ‚Nun, sie verkaufen sich nicht wirklich gut, also machen wir uns auf etwas anderes ein‘.“ Was sie auch taten. ”

Aber der Anblick vonMarvin Gayeist 1971Was ist losoben aufListe der 500 besten Alben aller Zeiten des Rolling Stoneist eine beeindruckende Erinnerung daran, dass sozialbewusster Pop in dieser Zeit sehr lebendig war – nur nicht im Rock & Roll.

Auf diesem klassischen Album befasste sich der gefolterte R&B-Dichter unter anderem mit Rassismus, Ökologie, Krieg und Drogenmissbrauch. Gaye war in dieser Hinsicht kaum ein Ausreißer. Überall um ihn herum übernahmen andere Soul- und R&B-Künstler den Protest-Song-Stab vom Rock und gingen in ihrer Musik auf ein neues und noch dringlicheres Anliegen ein. (Wirtschaftliche Ungleichheit war ein Hauptthema: Ende der sechziger Jahrevier von zehnSchwarze Amerikaner lebten unterhalb der Armutsgrenze.) Hier ist ein Rundgang darüber, wie schwarze Musik das sehr reale und zunehmend verzweifelte amerikanische Gemetzel der Zeit thematisierte.

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Stevie Wonder, „Leben für die Stadt“ (1973)
Wonders Story-Song beginnt mit sanften, aber unheilvollen E-Piano-Akkorden und ist der Stoff für Protestmusik der alten Schule: Ein Kind aus Mississippi, Teil einer in Not geratenen Familie, wagt sich in den Großstadtdschungel, nur um dafür im Gefängnis zu landen ein Verbrechen, das er nicht begangen hat. Indem Wonder es auf düsteren, drängenden Funk mit filmischen Dialogen und einem Spritzer jubelnder Synthesizer vertonte, gestaltete er das aktuelle Genre nach seinem Vorbild neu. Schauen Sie sich unbedingt die siebenminütige Originalversion anInnervisionen, was damit endet, dass Wonder die Erzählung fallen lässt und direkt zum Hörer spricht: „Dieser Ort ist grausam, nirgendwo könnte es viel kälter sein/Wenn wir uns nicht ändern, wird die Welt bald untergehen.“

Curtis Mayfield, „Future Shock“ (1973)
Von dem Moment an, als er die Impressionen verließ und sich auf den Weg machte, thematisierte Mayfield sowohl innerstädtische Albträume („Pusherman“) als auch Hoffnungen („Miss Black America“). Als ehrgeiziger Plattenproduzent drückte er diese Gefühle oft in aufwendig arrangiertem Orchester-Soul aus. Aber auf dieser Strecke ausZurück zur Welt, keine Menge Streicher und dröhnende Hörner können den schmerzlichen Schmerz in Mayfields Stimme verbergen, während er Suppenzeilen und „Dope on the Street“ zur Kenntnis nimmt. Sein doppelspuriges Falsett und seine Wah-Wah-Gitarre sind ein bittersüßer Hilferuf in einer zunehmend verzweifelten Landschaft. Einer seiner Verse – „Wir müssen alle Menschen aufhalten/Das Land durcheinander bringen/Wann wollen wir das nicht verstehen/Das ist unsere letzte und einzige Chance“ – deutet ebenfalls vorausschauend auf die Zerstörung durch den Klimawandel hin.

Marvin Gaye, „Cloud Nine“ (1969)
Zwei Jahre zuvorWas ist los, Gaye testete mit dieser Version des psychedelischen Soul-Hits der Temptations aus dem Vorjahr die Gewässer des sozialen Bewusstseins. Gaye hat sich das Lied zwar nicht ganz zu Eigen gemacht, aber er hat eindeutig eine Verbindung zu den Bildern einer großen Familie, die in einem Slum aufwächst, mit wenig Essen und kaum einem Fluchtplan. Die Coverversion fühlt sich nun wie ein wichtiger Schritt auf dem Weg an, den eigenen Gefühlen Ausdruck zu verleihenWas ist los.

Die O’Jays, „For the Love of Money“ (1973)
Anthony Jacksons blubbernde Unterwasser-Basslinie, eine der bekanntesten Hooklines dieser Ära, beschwört gehobene Discos und den damit verbundenen finanzkräftigen Lebensstil herauf. In den nächsten sieben Minuten greifen die O’Jays diese Stimmung auf, indem sie den bösen Einfluss der finanziellen Gier anprangern („Menschen werden ihre Mutter bestehlen/Menschen werden ihren eigenen Bruder ausrauben“). Während das Trio singt – manchmal klingt es wie Prediger, die über ein Thema reden – lassen die Produzenten Kenny Gamble und Leon Huff den Groove sieben Minuten lang nicht nach: Man kann tanzen und gleichzeitig den Kapitalismus anprangern.

Bill Withers, „Another Day to Run“ (1972)
Knorriger und musikalisch komplexer als seine Juwelen „Lean on Me“ und „Ain’t No Sunshine“, stellt dieser Deep-Track von Withers die Müdigkeit in seiner Stimme in einen völlig neuen, erschütterteren Kontext. Während er das Porträt einer zerstörten Gesellschaft zeichnet („Hübsche Damen stehen Schlange und warten auf Inspektion/Zerlumpte alte Männer, die Wein trinken und versuchen, die Ablehnung zu übertönen“), wird Withers mit jedem Vers empörter und angespannter. Sogar die Wah-Wah-Gitarren (die für dieses Genre genauso wichtig sind wie die Mandoline für Bluegrass) klingen im Laufe des Songs immer instabiler. „Another Day to Run“ mag verführerisch sein, aber es gibt nichts, nicht einmal Hoffnung, auf das man sich stützen könnte.

Billy Paul, „Bin ich schwarz genug für dich“ (1972)
Pauls bahnbrechender Hit war sein Schummelsong „Me and Mrs. Jones“, ein elegantes Stück Supper-Club-Soul, das genauso verführerisch war wie sein Erzähler. Aber das Lied bereitete niemanden auf den treibenderen und selbstbewussteren Nachfolger vor. „Am I Black Enough for You“ war laut und stolz, mit einer positiven und proaktiven Botschaft, die so unerbittlich war wie Gamble und Huffs stürmische Produktion. Der Groove erinnert an Stevie Wonders „Superstition“ – geht aber auch eigene Wege.

Gladys Knight und die Pips, „Dieses Kind braucht seinen Vater“ (1973)
Knight machte sich mit einer Reihe ergreifender, oft trauriger Singles einen Namen – „Midnight Train to Georgia“, „Neither One of Us (Wants to Be the First to Say Goodbye)“ – die das Beste aus ihrer warmen, körnigen Stimme herausholten. Knight klingt verletzter und ängstlicher als sonst und schlüpft in die Rolle einer alleinerziehenden Mutter, die ihren Partner bittet, zurückzukommen: „Ich versuche mein Bestes zu geben/Aber ich weigere mich, dieses Baby von einem anderen Mann in den Arm nehmen zu lassen“, sagt sie klagt. Das Lied nutzte den Aufstieg der Alleinerziehenden-Haushalte in den Siebzigern, eine Zahl, die sich bis Anfang der Achtziger verdoppeln sollte.

Ohio Players, „What’s Going On“ (1974)
Als Zeichen dafür, wie tief Gayes Lied unmittelbar nach seiner Veröffentlichung den Pop beeinflusste, brachten die Ohio Players – die normalerweise lasziven Funk-Hits wie „Fire“ und „Love Rollercoaster“ zugetan waren – ein Jahr später ein warmes, ehrfurchtsvolles Cover des Liedes heraus Gayes eigenes. Während sich Gayes Version persönlich und intim anfühlte, verwandelte die Interpretation der Ohio Players das Lied in eine vielstimmige Erklärung des Gemeinschaftsgeists und auch im Hintergrund härter. Ihr „What’s Going On“ war eine Hommage sowohl an Gaye als auch an die heilende Kraft der Musik, insbesondere zu dieser Zeit.

Nina Simone, „Der Pusher“ (1974)
Klassik-Rock-Fans kennen dieses Lied, geschrieben vom Songwriter und Schauspieler Hoyt Axton (Gremlins), aus seiner Version von Steppenwolf, die während der Eröffnungsszene mit dem Drogendeal spielteEasy Rider. Simone reduzierte die Lautstärke auf ein wütendes Köcheln und spuckte die Worte aus, was den Schlag gegen einen Lieferanten harter Drogen noch vernichtender machte. Simone interpretierte in dieser Zeit eine Reihe von Pop- und Rocksongs, von den Beatles und Dylan bis zu den Bee Gees, aber nur wenige waren so aufrichtig und empört wie dieser, insbesondere in dem Moment, in dem sie jammert: „The pusher is a.“Monsta!“

Diana Ross, „Strange Fruit“ (1972)
In ihrer ersten Hauptrolle als Billie Holiday inLady singt den Blues, Ross hat sich als Schauspielerin und Interpretin von Holidays jazzzentriertem Material gut geschlagen. Als der Film in die Kinos kam, waren die Leute schon dabei, „Strange Fruit“ zu vergessen, das schrille Lied über einen Lynchmord im Süden, den Holiday Ende der 1930er Jahre zu einem neuen amerikanischen Klassiker gemacht hatte. Ross‘ Cover stellt das unheimlich stille Arrangement der Originalaufnahme dar, und Ross verlässt ihre Komfortzone, indem sie Holidays schwungvolle Phrasierung in Angriff nimmt.

Sly und der Familienstein, „Babys machen Babys“ (1973)
Dieser Titel von ist eher ein Jam als eine ausführliche sozioökonomische Abhandlung über ungewollte TeenagerschwangerschaftenFrisch„, Slys letztes großartiges Album, besteht hauptsächlich darin, dass er sich lyrisch an die Titelphrase orientiert. Aber es ist immer noch ein Genuss, Sly und seiner Band zuzuhören – zu der immer noch sein Bruder Freddie an der Gitarre, seine Schwester Rose an den Keyboards und die Trompeterin Cynthia Robinson gehörten – und die unbehagliche Atmosphäre des Liedes spiegelt die Stimmung der Zeit wider.

DerSpinner, „Ghetto-Kind“ (1973)
Diese Pop-Soul-Meister aus Michigan waren im Allgemeinen nicht für sozialbewusste Lieder bekannt, aber sie machten eine Ausnahme mit dieser Geschichte über einen jugendlichen Ausreißer, der eine Stadt „voller Engstirnigkeit und Hass“ verlässt, aber nie ein neues Zuhause findet. Produzent Thom Bell, ein Star des Philly-Soul-Sounds, arbeitet hinter ihnen wie gewohnt sanftmütig. So turbulent seine Geschichte auch sein mag, das Lied – und die Co-Leadsänger Philippé Wynne und Henry Fambrough – gleiten mühelos über turbulente Gewässer.